Ça y est, la ville est partout, elle a maîtrisé les dernières forêts. La présence de la civilisation a envahi le vivant. Le mouvement est maintenant devenu un devoir. On se meut dans des vibrations à haute fréquence qui happent notre attention, vident notre concentration.

On fatigue.

Éreinté.e.s, on dort.

Mal.

La lumière qui vibre, les bruits de fantômes mécaniques. Partout, tout le temps. La ville nous a imposé la fatigue, elle qui a tué nos espaces-temps dédiés au repos.

Un jour tout le monde va tomber…

Explorateur érudit et méthodique de techno industrielle, DSTHM a tissé un univers d’encre, marqué par des textures rugueuses, des voix éthérées, des basses abyssales et quelques emprunts acides… Alliant une noirceur entraînante à des rythmes implacables, DSTHM n’a de cesse de nous proposer des sets toujours plus hypnotiques, amenant son public dans un état proche de la transe.

« Untitled form » (2024) montre l’angoisse qui hante souvent nos rêves. Dans les photos, on retrouve des formes lourdes, des sentiments fugaces à travers des objets et de l’architecture, et une personne caractéristique qui suit le spectateur. De cette façon, je veux que le public se sente mal à l’aise et qu’il remette en question ce qu’il voit.



Zofia Działkowska
Nous vivons dans une société marquée par la surenchère visuelle et motivée par la beauté, l’argent et le pouvoir. Notre relation aux images a changé, et tout cela ressemble à une grosse masse de déchets. La question est donc, en tant qu’artistes, comment et de quoi parlons nous au public ? Quelle valeur a la photographie de nos jours ?

Mon nom est Zofia Działkowska. Je suis née à Varosvie et ai étudié à Milan, en Italie. Je ne suis probablement personne pour répondre aux questions susmentionnées, mais dans mon approche artistique, j’essaye de pousser la photographie un peu plus loin, de la rendre plus drôle, plus dramatique. Dans un monde en quête de perfection, nous, les artistes, nous devons de trouver la symétrie des erreurs.

Ma naissance. Ma mort. Et le temps entre les deux

Le Don

L’héritage, les liens d’une génération l’autre…
Mozinor
Donner à voir cette notion à travers l’histoire et le lieu architectural.
L’héritage familial, l’héritage matrimonial.
Chacun emporte avec lui une partie d’un tout, une trace, un souvenir, un ancrage.
L’héritage, présent, passé, futur, un lien universel.
Habiter l’espace, flirter avec le ciel.
Les oiseaux de Mozinor, le tutoiement des cimes.
La robe est celle d’une déesse ailée, brodeuse brodant et débrodant son ouvrage,
comme une réparation au soleil de s’être approchée au plus près de la lumière.
Robe de l’envol, du conte intime, des histoire enfantines de princesses et
d’ailleurs…

La Nuée
Un rébus, une clé, un jeu de piste.
La nuée (2024) compose les prémisses ou la conclusion du dialogue étroit établie
avec Le don (2024), ensemble composant un dyptique évoquant les liens en
héritage, la transmission, la résilience, un souffle, un déshabillage sensible.

Un bon atelier permet de ne pas tourner en rond infiniment, mais un peu quand même, l’existence n’a pas plus de sens dedans qu’à l’extérieur. C’est pourtant ce que, a priori, l’on recherche quand on y entre, quelque soit le sens de la visite. Visiteur privilégié, puisque j’occupe cet atelier pour peindre, ma première tâche ressemble un peu à tourner en rond : je range, j’organise, je nettoie les pinceaux ; je vide. Vidée de sens, la vie peut commencer. Je fais des tableaux qui n’ont rien à dire ; la perte du sens devient le véritable, le seul but de ma peinture, de ma vie. Se perdre pour n’avoir plus aucun but, aucun sens à donner à l’existence. Je peins à l’huile, à la gouache, je dessine à la pointe d’argent. L’atelier est bien éclairé. La peinture réveille les sens, elle peut déranger. Dans le chaos j’essaye de remettre les choses en place, j’organise le bordel, et quand ça ne tourne pas rond, je range.

Pendant 3 ans, Bruno Fert a photographié l’intimité de populations migrantes dans plusieurs pays.
En plaçant l’humain au cœur de son projet, il met en lumière les parcours individuels de populations souvent invisibles. Il raconte l’exil
au travers des intérieurs où vivent les populations migrantes, de leur arrivée en Europe jusqu’à leur installation dans de véritables logements pérennes. Chaque intérieur photographié est associé au témoignage et au portrait de celles et ceux qui y vivent.
Le projet Refuge participe à diffuser une vision différente des problématiques migratoires. Il favorise la compréhension des trajectoires individuelles en mettant au premier plan l’humain et les récits singuliers de ces hommes et de ces femmes.
Ce projet a été réalisé entre 2016 et 2019 à bord de l’Aquarius, en Grèce, en Italie, en Allemagne et en France.

À l’âge de douze ans, Bruno Fert égare de précieux albums de familles confiés par sa grand-mère : plus aucune photo de famille ! 
Comme pour réparer cette perte, Il devient photographe et s’en va enregistrer en négatifs le monde qui l’entoure comme ses habitants.
L’habitat, modeste refuge ou logement de fortune, revient souvent dans ses images :  des tentes igloo isolées dans des paysages urbains ressemblent à des balises de détresse dans la nuit parisienne. Bruno Fert toujours cherche à révéler des problématiques politiques ou sociales en les dévoilant sous un angle singulier. Sa série Les absents évoque sans les montrer les réfugiés palestiniens : les photographies de ce qu’il reste de leur maison détruite nous racontent l’exode de cette population en 1948.
Par ses images, Bruno cherche à révéler des problématiques sociales ou politiques en les dévoilant sous un angle singulier.
Ses travaux ont été récompensés par le World Press Photo 2007, le Prix Roger Pic 2013, le Prix Neuflize 2015 et le Prix de photographie de l’Académie des Beaux-Arts en 2017. Sa série Refuge a été sélectionnée pour le Amnesty International Media Awards 2020.

Popline Fichot est née en 1999 en France où elle vit. Elle crée son premier défilé-performance « Descendantes des sorcières » à la Ménagerie de Verre en 2021. Puis est diplômée de l’école Duperré, en 2023.

Elle se décrit comme une entremêleuse de liens et une sourceuse de récits parallèles.

Ses recherches s’articulent autour de nos objets affectifs, du fétichisme et de notre relation aux mort.e.s. Une invitation à prendre l’étrange dans son écosystème. Sa pratique artistique l’emmène du textile à la sculpture, de la poésie à la performance, du dessin au fanzine, de la céramique à l’étain.

La femme-chouette (2024)
Béton
30 x 40 cm 

Nid diurne (2024)
Béton, sève de pin, lampe, dôme
46 x 20 cm

Effraie des clochers (2024)
Béton et matériaux mixtes 
50 x 23 cm

Apnée sous pétrole 
Mona Lemaire & Popline Fichot 

Détails des œuvres : 

Rebonds (2024)
Matériaux mixtes
700 x 100 cm

Nature morte n.1 (2023)
Nature morte n.2 (2024)
Peinture
90 x 60 cm 

Être veilleur.euse (2023)
Matériaux mixtes et masque
80 x 110 cm

Black tank (2024)
Matériaux mixtes
34 x 42 cm 

Vulgus 01 est un projet de recherche plastique autour de la notion de vulgaire. Il hybride l’image (la photo, le dessin, l’impression) et la sculpture.
Il prend appui sur son origine latine « vulgus » qui signifie le commun des hommes, la foule le “caractère de ce qui est courant, commun au plus grand nombre ; caractère de ce qui est prosaïque, terre à terre”. Comment alors faire le lien entre sa définition originelle et son utilisation moderne imprégnée de classisme ? C’est l’expérience qu’Amandine Gamarra nous propose à travers ces pièces, nées d’une édition de recherches théoriques et photographiques autour de la vulgarité contemporaine. Entre voyeurisme et identification, l’œuvre immerge le spectateur dans l’espace urbain de Mozinor. Elle met en scène des pièces détachées de voitures et s’attache à illustrer l’intimité de l’intérieur de nos automobiles comme témoignage socio/anthropologique du vulgus de notre époque.

Artiste complet à l’énergie débordante, rien n’arrête Grems, qui repoussera toujours les limites jusqu’à la fin. Ses deux principales pratiques créatives, l’art et la musique, développées en parallèle, se côtoient et le poussent à une production toujours plus énergique, toujours plus inattendue, tout en gardant son style unique et reconnaissable entre tous.

Les deux pièces s’inspirent de la danse et du jeu d’acteur, que ce soit sur scène ou au cinéma. En tant que duo, elles traitent de l’antonyme attaque et protection.

Attaque contre protection. La femme en blanc est l’attaquante et la femme en bleu est la protectrice. Elles sont toutes deux bloquées dans un cycle sans fin et archétypique.

Ce diptyque vidéo se décline selon le principe cinématographique du champ-contrechamp, qui réunit deux espaces opposés l’un à l’autre vis-à-vis de la caméra, comme le lien qui unit un regard et ce qui est regardé. Où sommes-nous, que regardons-nous ? Tour à tour une caméra, l’une fixe, l’autre pas, toujours un regard au corps mécanique et à la précision robotique. Monté à partir d’un flux récupéré d’images diffusées en direct, ce diptyque offre à montrer par un dispositif de surveillance tant l’attachement physique à l’espace habité par le regard que ce qui se déroule en contrebas, façonné par la lumière changeante du jour, de la nuit et des néons. Tant le dispositif originel que cet urbanisme particulier ne nous donne comme autre choix que la persistance du regard permise par celle de la lumière qui ne faiblit jamais. Cette persistance qui s’associe à la répétition devient le lieu d’une habitude, d’un ancrage à un corps agité par un programme. La retransmission, elle, se fait le médium d’une révélation des variations lumineuses, par contraste direct ou par comparaison. L’image composite devient alors autant d’«angles» lumineux depuis lesquels observer la scène.

Cabanes imaginaires autour du monde est traversé par l’esprit d’un théâtre vivant assemblant l’imaginaire des lieux enchantés et des périodes de la vie, partant de “l’enfance” jusque “avant et après la mort” tout en traitant des “Utopies”, de “la Communauté des Femmes”, des “frontières entre les Hommes”…. Ici tous les niveaux du discours et de la vie sont expérimentés en grande faim… chaque image est un appel au merveilleux, au rire, à la beauté, aux échanges, à la réflexion, et surtout à l’humour complice, au partage des caractères d’une humanité meilleure et satisfaite.
Ainsi peut-on prétendre que Nicolas Henry se joue de nos “blues” urbains et de notre manque de contentement avéré, fonde un optimiste passionnant.
Chaque photographie est le résultat d’une situation, elle intègre un lieu, des “acteurs” et repose sur une mise en scène.
C’est un court-métrage ramassé en une seule image, magnifiquement réalisée, débordante de vitalité, d’humour, piquant la curiosité
et toujours “souriante”.

À partir de 2016, je me suis intéressé à la technique du Transfer Carbonne. La stabilité, la matérialité, l’esthétique de cette technique hybride et artisanale, contemporaine du Daguerréotype, s’adaptait à l’évolution de la photographie digitale en proposant à la fois la précision du numérique et un rendu analogique très matériel avec un libre choix du support et un relief des basses lumières.

De loin la plus complexe dans les procédés photographiques, cette technique m’a demandée plus de 5 ans d’expérimentations et de recherches pour aboutir à une stabilité du processus de fabrication.

Pendant ces années, l’expérience de la dépression accompagnée nuit et jour mon travail obsessionnel de recherche de perfection et maîtrise de la technique, jusqu’à ce que la dépression paralyse ma volonté et m’arrête pendant plusieurs mois dans mes investigations. C’est en retournant dans mon laboratoire en 2021 que la série « Hypocampe » est née des accidents rencontrés lors de la nouvelle mise en œuvre du procédé.

Les multiples tentatives pour comprendre les phénomènes et les corriger en intervenant sur chaque élément du processus (chimie, scan, impression, supports, température, hydrométrie …), ont conduit à la collection d’images “ratées” comme épreuves témoins des failles techniques.

Au fil du temps, j’ai réalisé que cette série “accidentée” était le miroir esthétique et conceptuel de la déformation de ma vision du monde, vue à travers le prisme de la dépression. J’ai alors choisi des images que j’allais soumettre à cette dégradation et j’ai commencé à intervenir dans son processus en tentant de contrôler les séparations des couches dans leur déchirement.

En se déformant les gélatines permettent de montrer la structure même de l’image.

Comme dans la série Places (2008-2012), Hippocampe illustre cette tension entre temporalité, matérialité et alchimie. Si dans Places la nature est la force qui imprègne la surface matérielle des édifices et en trace la ligne temporelle, dans Hippocampe, ce sont les accidents qui déplacent la réalité dans un univers hors temps.

Cette série de photographies reflète ainsi la complexité de la technique photographique, les potentiels de sa matérialité mais aussi la sensibilité et la vulnérabilité de l’humain. Elle parle aussi de la résilience face aux dysfonctionnements psychiques.

L’installation Histoires entremêlées est constituée de plusieurs chemins qui se dessinent sur le grand espace bétonné du toit de Mozinor. Pendant deux jours, les chemins seront décorés de narrations peintes par l’artiste. Dans son travail, Martin Lafaye explore, par la narration, son monde intérieur qui est en dialogue avec le monde qui l’entoure. Résidant dans le 93, non loin de Mozinor, cette installation qui surplombe Montreuil est une occasion pour lui de s’exprimer sur ce territoire en perpétuelle évolution.

The sky is not there
The trees are not there
The red is not there

Une performance sonore avec les trois Invisibles avec une jambe qui poursuivent le Fantôme de M.

Laut & Lisi est un groupe d’artistes basé en Autriche, qui travaille avec l’improvisation et divers médias tels que la performance, le son, la peinture et la vidéo.

Musicienne, chanteuse, et illustratrice, La Luge est l’une des têtes pensantes du groupe/collectif protéiforme 15 15. Dans sa selecta, baile expé, dark dancehall et techno syncopée sont au coude à coude. De la musique club hybride où se croisent rythmes afro-latino, bass music et sound design…

love loin de dieu : Jeanne Susin & Oleg Ossina

Musique électronique hybride, raffinée, sexy, insolente, violente, fragile. Incantations urbaines, urgentes. Berceuses d’amour, de métal. Les roses vont se mettre à pleurer.

À l’occasion de Mozin’Arts, Pascale Lecoq, architecte plasticienne et scénographe, propose de mener avec un groupe, une initiation progressive aux notions du L.E.M, au sein de l’espace particulier de l’hôtel industriel Mozinor et de ses jardins suspendus.

Le L.E.M est le département scénographique autonome de l’École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq, consacré spécialement à la recherche dynamique de l’espace et du rythme, à travers la représentation plastique. Participants et participantes venu·es de disciplines différentes, se rencontrent et font un voyage pédagogique commun, s’appuyant sur l’analyse du mouvement qui permet de ressentir dans son corps, le monde qui nous entoure. Le corps porteur de dynamique et de drame est le principal instrument. Étudier son mouvement dans l’espace qui l’environne permet de mieux comprendre le jeu des forces qui organisent l’espace. Cet apprentissage passe par l’analyse de mouvements simples et leurs transpositions construites en atelier. Chaque participant et participante est en contact direct avec la matière, invente des formes, les met en mouvement et en découvre les rythmes.

Avec ses images, Jean-Louis Leibovitch tord le cou aux catachrèses, prenant au pied de la lettre ces métaphores devenues inertes, par ex. la barrière de la langue. Il rappelle le lien avec la chose qui étendait leur sens, sans toutefois les reconnecter avec la signification d’origine, puisqu’il procède par association, créant de nouvelles liaisons plus évocatrices. En devenant fil de fer barbelé, la barrière évoque quantité de choses bien plus dramatiques et inquiétantes qu’une simple incompréhension ou un déficit de traduction.

Son travail photographique me fait penser au processus d’exaptation théorisé par Stephen Jay Gould pour remettre en cause l’hyper-adaptionnisme des biologistes après Darwin. Ceux-ci pensaient que chaque organe avait été sélectionné parce qu’il avait une utilité. Selon le paléontologue, la vie opère souvent plutôt par détournements, subversions, recyclages. Les mots- images de Jean-Louis Leibovitch, sous forme parfois ludique ou de machine à inquiéter, détournent les choses de ce qu’elles devraient figurer ou signifier en leur donnant un autre contexte.

Les mots-images font éprouver ce qui se condense, s’évoque, se dit sans se dire, comme une boîte à plusieurs fonds. Comme un mot qui aurait quantité de significations toutes vraies et justes. Comme une histoire dont la surface bruisse des dizaines et des dizaines d’époques qu’elle charrie, dont il sait convoquer les puissances.¹

Inspiré par l’architecture industrielle de Mozinor, Jean-Louis Leibovitch choisit d’investir les angles du toit terrasse pour y recréer des univers allégoriques.

¹ Vinciane Despret, Montreuil 2021

Mona Lemaire est née en 2002 en France où elle vit. Elle étudie actuellement à l’école Duperré. Sa pratique s’inscrit dans une recherche de jonction entre différentes dimensions mais aussi entre les différents âges dans la pratique créative. Ainsi les objets ludiques et quotidiens associés à l’enfance sont ré-interprétés et recréés sous une forme familière mais à la fois étrange et inconnue. Les espaces sont repensés autour des objets pour laisser place à des lieux de parenthèse qu’elle nomme « contre-jeux visuels ». Sa pratique s’articule autour de l’installation, la modélisation digitale, la création de décors, la représentation picturale, le textile et l’écriture. 

Apnée sous pétrole 
Mona Lemaire & Popline Fichot 

Détails des œuvres : 

Rebonds (2024)
Matériaux mixtes
700 x 100 cm

Nature morte n.1 (2023)
Nature morte n.2 (2023)
Peinture
90 x 60 cm 

Être veilleur.euse (2023)
Matériaux mixtes et masque
80 x 110 cm

Black tank (2024)
Matériaux mixtes
34 x 42 cm 

Bienvenue dans Essence environnante, une installation immersive qui vous invite à vous reconnecter avec la nature et, par extension, avec vous-même.
Cette exposition explore l’interaction entre l’Homme et son environnement naturel, en transformant des espaces extérieurs en sanctuaires de contemplation et de méditation. Au cœur de cette installation se trouve un paravent, composé de plusieurs panneaux textiles peints à la main, afin de servir d’espace intime et introspectif. Il symbolise une ouverture entre le monde extérieur et un espace de calme intérieur. Chaque panneau est une fenêtre abstraite ouverte sur ces paysages naturels.
Ce lieu unique qu’est MOZINOR nous offre une diversité de paysages, situé au cœur d’une zone industrielle, où le béton mêlé à la végétation contraste avec la vue panoramique qui encercle ce bâtiment exceptionnel.
Lors de mes balades sur ce toit, la photographie et l’esquisse me servent d’outils pour prélever l’essence de cet environnement. Poursuivant ma démarche artistique, j’extrais l’essence symbolique des espaces que je contemple, et je les matérialise comme des reliques, des souvenirs tangibles, conservables. La nature devient pour moi une porte vers le ressourcement intérieur, une clé pour renouer avec soi-même. Les motifs abstraits ne cherchent pas à représenter la nature de manière figurative, mais plutôt à en évoquer l’essence par des formes ondulantes et organiques, inspirées des vagues, des montagnes, des strates géologiques et de la végétation. Réalité et abstraction permettent de se projeter dans sa propre interprétation.
L’espace créé par ce paravent vous invite à vous asseoir, à vous détendre, et à prendre le temps de simplement d’observer. Ici, le bruit du monde s’atténue, laissant place a un moment de paix intérieure. La nature nous enseigne la patience, l’équilibre, et le respect du rythme de la vie.

Je vous remercie de prendre part a cette expérience et je vous souhaite de nous quitter avec un sentiment de sérénité et de reconnexion.

Tabetha Mayet

L’œuvre représente une vue distordue du toit de Mozinor, évoquant les glitchs informatiques, et incarne l’idée d’une réalité augmentée transposée dans le domaine de l’art physique, en substituant la toile à l’écran. Elle propose une réflexion sur l’impact des images numériques dans notre perception du monde. Le choix de la peinture à l’huile sur toile devient ici un geste de réappropriation du corps et du geste artisanal face à l’omniprésence des technologies. Le cadre en impression 3D, volontairement déformé, symbolise la distorsion de notre vision provoquée par les outils numériques. Cette œuvre s’interroge sur la désincarnation croissante de l’art à l’ère de la propagation des médias et de l’intelligence artificielle.

Huile sur toile, cadre-sculpture en plastique imprimé en 3D.

Autoportrait filmé en macro, ce film expérimental questionne la représentation de soi, l’image prise au plus proche de la matière-même du corps provoquant une distanciation paradoxale avec lui et son morcellement. C’est un travail introspectif qui vise à retranscrire des expériences personnelles. De la transition de genre et de l’exil, une réflexion sur l’aliénation dans son propre corps et dans le monde. Les effets d’exagération des formes et des couleurs de sa propre image capturée à une valeur d’échelle dépassant les capacités de la vision humaine engendrent une sensation qui oscille entre le dégoût et la fascination, notre perception rendant monstrueuses les choses que l’on n’a pas l’habitude de voir. Projeté dans la fenêtre d’une structure architecturale ressemblant à une soucoupe volante, l’œuvre explore le concept de l’autre, l’étranger, l’inhumain contenu dans chacun de nous et révélé par le médium cinématographique. 

À la recherche d’un souvenir d’été 
Je me suis égarée 
Perdue dans ce vaste espace 
Où seul le bruit silencieux d’une eau 
Semblait combler le vide des limbes
Lorsque j’ai cru t’apercevoir
Un flot violent est venu effacer cette image 
Le fleuve de l’oubli a su dérober mes souvenirs 
Sous la cape de ses flots
Caché sous le règne du repos silencieux 
Résonne le murmure d’un écho lointain 

Celui d’un souvenir d’été ? 

Projet love loin de dieu

Deux solos électroniques hybrides, lyriques et aux rythmes bancals.
Deux solos qui s’interfèrent comme deux personnes qui se rencontrent à pied sur une autoroute.

Frank Perrin explore la notion de post-capitalisme depuis plus de vingt ans, compilant au passage un condensé de nos obsessions contemporaines. Des joggeurs aux yachts en passant par les défilés de mode, le projet Postcapitalisme de Perrin est un travelling métaphysique sur les idées fondatrices de notre époque.

La série Blind test, annonce une nouvelle phase de ses recherches, représentant non seulement un aboutissement mais aussi un véritable tournant dans son travail. Ses images de subversion, inversées en négatif, imprimées directement sur des feuilles de carton, perforées et montées sur des surfaces miroirs, produisent en nous un sentiment de libération radicale et libératrice. Ses images sont encore une réplique à la période d’austérité qui nous entoure, nous renvoyant en braille miroir tout le désir et le refoulement de la révolte à l’état brut. Autour de l’idée centrale des révolutions aveugles, l’artiste interroge à la fois la subversion de la vision et la vision de la subversion.

La série Blind test se positionne politiquement dans une tradition romantique et une poétique de l’émancipation. Images négatives et sombres, ponctuées de trous et de miroirs, chaque nouvelle image contribue à la formation d’une encyclopédie visuelle d’une vision et d’un désir libérateur.

Le travail de Perrin a fait l’objet de plus de soixante expositions en France et à l’étranger, notamment au Daelim Museum (Séoul), aux Abattoirs – FRAC Occitanie (Toulouse), au Centre Pompidou Metz et à la Schirn Kunsthalle (Francfort). Ses œuvres figurent dans de prestigieuses collections publiques et privées en Europe, aux États-Unis et en Asie.

Gilles Perez de la Vega, artiste, décorateur, également sculpteur et collectionneur de micro véhicules des années 50 et 60.

Une partie de son travail artistique est de concevoir et de réaliser des pièces uniques alliant sculpture, installation et design.

Love Teardrops est un concept évolutif développé depuis quelques années autour des micro-caravanes qui ne sont autre que des lits carrossés traitées en chambre d’amour thématiques et mobiles. Crées sur des bases existantes ou construites de toutes pièces, sorte de sculptures fonctionnelles, elles trouvent leur place aussi bien au milieu d’un loft que dans un jardin.

Une invitation au voyage, au voyage dans le temps, au « transports amoureux » et à la volupté.

Il s’agit en quelque sorte d’une transposition de l’image conditionnelle de la caravane en un écrin ouaté, une sorte de malle-cabine améliorée et dédiée aux plaisirs raffinés de l’amour et du voyage, qui ici, est à prendre au sens le plus large.

Sous la forme d’écrins boudoirs, Gilles Perez de la Vega met en scène des caravanes, décorées dans l’esprit des somptueuses chambres à thèmes des maisons closes de la grande époque Chabanais, Sphinx, One Two Two ; mais aussi des Love Rooms contemporaines.

Un juste milieu entre installation artistique et patrimoine automobile

Perfectionniste ayant fait ses armes dans l’underground espagnol, Point d’Orgue est un curieux insatiable qui n’a de cesse d’expérimenter à la recherche de nouvelles sonorités. Mêlant habilement noirceur et énergie viscérale, il captive son audience à travers des sets puissants, tirant son inspiration de tous bords et sa rigueur de son passé de percussionniste. Une sélection toujours plus fine et un niveau d’exigence toujours plus haut animent ce savant éclectique du son, qui prône d’ailleurs une techno sans visage, privilégiant l’expérience sonore.

Isadora Ravena est artiste, enseignante, commissaire d’exposition et critique d’art.

Isadora Ravena est travesti, née au Brésil. Isadora Ravena est travesti parce qu’elle est née au Brésil. Elle est travesti parce qu’elle est née en dépit du Brésil. Elle quitte le Brésil pour créer. Elle crée la travestilité comme méthodologie de création en art qui traverse la création de la vie.

Isadora Ravena traverse l’Atlantique- plus intéressée par le mouvement de traversée lui-même – et veut créer en France. Créer la vie et l’art malgré la France, malgré le Brésil et malgré la cruauté de toute nation.

Elle a plongé dans l’obscurité de l’Atlantique et a commencé à explorer la pénombre comme un jardin fertile pour la création contemporaine. Elle plonge sa recherche dans le Doctorat en Arts du Spectacle à l’Université de Lille.

Elle se plonge dans des processus créatifs qui traversent et se déplacent entre différents langages, tels que les arts visuels, le théâtre, la performance, le cinéma et l’écriture.

L’artiste a été traversée par une belle invitation à créer et se réjouit de créer dans la beauté des jardins suspendus de Mozinor, dans la beauté des modules cosmiques de Montreuil, dans la beauté des croisements qui vont naître dans MOZIN’ARTS.

beauté qui brûle (2024)
Une œuvre qui traverse le cinéma et les arts visuels. Une œuvre qui plonge dans la nécessité de fabriquer des illusions afin d’enflammer la création de nouveaux mondes. Brûler la beauté

L’Enfer de Márcia Mendonça (2023)
L’Enfer de Márcia Mendonça traverse les frontières du théâtre et des arts visuels. Le film est un enregistrement de la pièce sur Márcia, une artiste trans brésilienne qui est devenue la 5e plus grande peintre d’art sacré au monde.

Dandara est allée au Paradis avec le Christ (2017)
Dandara est allée au Paradis avec le Christ est un film d’une performance réalisée en 2017 dans les rues du Brésil, après le meurtre brutal de Dandara dos Santos. Après avoir tué cette femme trans, des hommes ont jeté son corps dans une brouette et ont promené le cadavre dans les rues de la ville. C’est une œuvre hommage à Dandara, qui continue de vivre dans nos corps.

« L’adjectif cimarrón est utilisé pour décrire un animal qui n’est pas domestiqué et qui vit donc à l’état sauvage. »

« Se dit d’une personne ou d’un animal ayant fui les colonies établies par les conquistadores en Abya Yala (Amérique) pour se réfugier dans la brousse. »

Cimarrona est une ode à l’émancipation, à la puissance du désir de révolte et à la permission d’être.
Le mot évoque ces siècles d’exploitation associés à la traite négrière mais surtout les braves, ces Neg Mawon, qui ont sillonnés l’inconnu pour obtenir la liberté. 

Les cheveux afro portent plusieurs récits d’identité, de culture et de résistance.

Ici, sur les toits de Mozinor, la tresse fait écho aux coiffures complexes exécutées par les captives, représentant une cartographie codée indiquant les refuges, la présence d’ennemis, les points de ralliement, les sources et les chemins vers l’ailleurs. 

À travers cette tresse élancée, surplombant toute une partie du 93, les branches tournées vers son berceau, Shenna Rochas l’artiste balbynienne, croise un dialogue avec le paysage de sa banlieue, son identité, ses moeurs, sa différence, son intégration et son artisanat. 

Une quête vers une manumission exigée sans concession.

Réparation I appartient à une série en cours sur la question de l’entropie du paysage et ses possibles réparations via la « fantaisie » de l’intelligence artificielle. Sur cette photographie argentique d’un paysage du Morvan, j’ai fait intervenir l’IA pour remplacer un tas de rondins de bois coupés, laissant le hasard de l’algorithme faire ses propositions. S’est alors échoué parmi les fougères sauvages cet OVNI aux contours éthérés, comme sorti d’un film de science-fiction.
L’entropie est par définition une disparition irréversible de la matière. Néanmoins, grâce à l’IA, le réel peut encore être « réparé », tout au moins dans la réalité de l’image exposée. Le tirage de cette image générée par des outils contemporains de haute technologie, est à l’inverse réalisé via le procédé ancien du cyanotype qui remonte au milieu du 19ème siècle, mixé à l’agar agar, un gélifiant organique culinaire à base d’algues. Ainsi le tirage va se transformer, réduire, et se dégrader durant le temps de l’exposition, pour finir par disparaître.
Les paysages entropiques demeurent éphémères jusque dans leur matérialité.

Sur les terrasses végétalisées de Mozinor, où la verdure s’unit aux lignes urbaines, se dessine l’art subtil du camouflage, nécessité vitale dans une société de surveillance omniprésente. Une installation refuge, telle un monstre bienveillant, se fond dans le décor, offrant un havre de paix, un répit. Retrouver son centre, ici, c’est s’approprier discrètement chaque recoin, voir sans être vu, un acte de résistance silencieux et puissant.
Symbole de recueillement, sanctuaire secret où l’âme peut se ressourcer et se redéfinir, cet environnement, austère mais protecteur, devient le théâtre d’une existence cachée, intensément vécue, où chaque ombre raconte une histoire de survie et de renaissance.

Ebéniste, électroacousticien, photographe et vidéaste, Aristide Saint-Jean navigue au grès de son intuition. Observateur de l’étrange, amusé par un rien, il capte des phénomènes simples qu’il recompose pour créer un dialogue, une danse. Diplôme en électroacoustique, il étoffe ses compétences en travaillant avec La Grande Fabrique (Dieppe), studio de création contemporaine, où il compose, enseigne, anime des ateliers, étudie la spacialisation mul- tiphonique et le geste musical numérique, il y explore aussi le lien entre le son et l’image. Son travail photographique trouve son inspiration dans le cinéma expérimental, la science-fiction, le documentaire et la composition contemporaine, un monde onirique à la limite du réel. Issu de la photographie argentique, la découverte du numérique lui permet d’aller plus loin dans les traitements et dérives graphiques. Son goût pour la musique le mène à changer son regard photographique, harmonie, composition, texture, répétition, bruit, d’une discipline à l’autre le langage reste le même. Tel l’ébéniste et ses essences de bois, il collecte des matières, des formes et cherche les points de rencontres. Il s’aventure dans les questions de la sérendipité ou du hasard heureux, le hors champs ; suscite la curiosité et le questionnement. Laisser une part d’interprétation au public, un presque vide, profond et humain. L’harmonie et le déséquilibre se mêlent pour donner place à un univers mystérieux, énigmatique et sauvage.

Une performance de Claire Serres et les Sirènes 
Voix _noise_, ritournelle a cappella et mammifères marins

Dew-Line Sites, 2021
56 pages Publication Offset, Noir et Blanc 58 x 43,5cm Imprimée à 800 exemplaires.
Support de l’exposition L’Oeil et la Glace au CNA Dudelange en 2021. Graphisme : Simon Ladoux
Images extraites des fonds d’archives du Centre Canadien d’Architecture (CCA) et des Archives du Congrès des États-Unis.

La DEW Line (Distant Early Warning Line) est un système de défense mis en place dans le nord du Canada pour détecter toute éventuelle invasion de l’Amérique du Nord par les Soviétiques. Cette ligne de radar et de communication à longue portée trace une frontière magnétique sur l’ensemble du territoire arctique d’ouest en est. Sur les nombreuses stations construites entre 1954 et 1956, la très grande majorité a été abandonnée, mais sans avoir été démantelée. Dégradés par les effets du temps, ces lieux constituent en soi une archive, dont l’historicité est circonscrite à l’intérieur d’un conflit qui s’est joué à l’abri des regards.

Les travaux de Marie Sommer portent sur des environnements et infrastructures obsolètes ou occultés, et ce qui les lie avec le vivant. À partir de photographies réalisées dans ces espaces et d’une relecture d’archives, elle questionne via différents régimes d’images, leur rôle dans notre perception de l’Histoire.
Elle est actuellement artiste-chercheuse au sein du groupe de recherche Archiver le Présent, qui explore l’imaginaire de l’exhaustivité dans les productions culturelles contemporaines.

SPMDJ puise ses premières influences dans l’énergie brute des scènes alternatives bruxelloises où EBM, new beat et post-punk, drum & bass, breakbeat et grime se côtoient et impriment ses tympans. Membre active du collectif Sin, elle a contribué à l’organisation de fêtes hybrides, conçues comme espaces festifs de création pluridisciplinaire.

SPMDJ fait résonner ses sets dans des lieux aussi divers que des free parties, des squats et des clubs renommés comme La Machine ou La Station. Expérimentatrice, sa musique oscille entre surprise et hybridation, préférant le mélange des styles à la redondance des tendances. À travers des sets souvent inattendus, elle distille un mélange détonnant de dub, bass music déconstructiviste et techno percutante, toujours guidée par une curiosité insatiable et un goût pour les audaces sonores.

Que ce soit sur les ondes de LYL Radio ou Rinse France, ou lors de soirées immersives, SPMDJ crée des atmosphères intenses et imprévisibles… à son image.

L’idée a été déclenchée par l’architecture et la situation unique de Mozinor.

Il s’agit d’un lieu situé à l’opposé du style d’endroit où je fais d’habitude mes observations et développe mes projets.

Il était donc évident que l’objet présenté (une tente suspendue au-dessus d’un puits de lumière noire) devait être intégré là où il n’est pas possible de le situer autrement.

C’est un peu comme si un électricien produisait délibérément un court-circuit

Jeanne Susin, pianiste, chanteuse, compositrice et productrice. Nourrie de musique urbaine, contemporaine, électronique, hip-hop ou musique romantique, elle se produit depuis 15 ans, en concert, aussi bien dans des lieux prestigieux que marginaux. En 2012, elle compose sa première œuvre orchestrale pour l’Orchestre Philharmonique de Yerevan. Cette même année, elle chante chaque semaine au Bar Fleurie à Montreuil, où elle est repérée par Glen Hansard. En 2019, elle part en tournée européenne en première partie du musicien irlandais, se produisant dans des salles emblématiques telles que la Philharmonie de Cologne, l’Admiralspalast à Berlin, l’Alte Oper à Francfort, le Barbican Centre de Londres, le Théâtre Carré d’Amsterdam ou encore le Cirque Royal de Bruxelles. Jeanne Susin collabore avec de nombreux artistes. Elle participe notamment à la création de Chewing Gum Silence avec Antonin Tri Hoang et Thibault Perriard, sous la direction de Samuel Achache, qui ouvre le Festival d’Automne en 2019 et a été produit dernièrement à l’Opéra de Paris Bastille ; ou à la création de Fosse, opéra mis en scène par Christian Boltanski et composé par Frank Krawszik, qui est joué à Beaubourg en 2019 et 2021

En 2022, elle crée l’opéra Chute Libre avec Oleg Ossina et Etienne D’Angelo, présenté aux Détours de Babel et au Cirque Électrique. Dès lors, elle entame une collaboration étroite avec Oleg Ossina, réalisant ensemble divers projets, dont la série web de science-fiction La Lune pète un câble et le groupe Love loin de Dieu. En 2023, elle sort l’album Diggin’ the Clock, une œuvre électronique produite exclusivement à partir de piano préparé et d’instruments acoustiques, présentée aux Musée des Abattoirs de Toulouse lors de l’exposition Chronos Swimmer de Juli Susin, avec la participation de Myrtille Hetzel.

Elle vient d’enregistrer avec l’Orchestre de l’Opéra de Marseille, sous la direction de Léo Margue, une composition d’une musique co-réalisée avec Oleg Ossina pour le film Kargo Kids de Thomas Ellis.

Jeanne Susin réunit pour Mozin’Arts des artistes dont la musique non apprivoisée évolue dans des univers hybrides, celui des rythmes bancals et des harmonies sans tonalité… «Le bruit chante chez les anges aux ailes pêle-mêle. La résistance s’échappe, la musique se débat.»

Elle présentera également le projet love loin de dieu avec Oleg Ossina.
Deux solos électroniques hybrides, lyriques et aux rythmes bancals.
Deux solos qui s’interfèrent comme deux personnes qui se rencontrent à pied sur une autoroute.

« La pratique artistique de Juli Susin recouvre un spectre assez large de disciplines distinctes, comprenant la photographie, le dessin, la sculpture, le cinéma, etc., ainsi que ce qu’on pourrait appeler des médiums transgéniques. Cette efficience de l’activité provient non pas d’une envie de créer des objets d’art mais pour répondre au besoin analytique de sa conscience, qui consiste à décortiquer avec minutie son environnement, puis à en reconstituer un autre, dont l’anatomie est cristallisée sous le prisme de sa vision. Cette apparente fragmentation de l’ensemble des œuvres constitue en effet son indivisibilité : les liens au sein et entre les créations de l’artiste se tissent dans un va et vient constant entre le passé et le futur, l’autobiographie et la fiction, le sensoriel et l’intelligible, semblables aux influx nerveux entre les neurones. » 
Mirron Mitzkewich


Livres d’artistes 
Réalisé avec des ami·e·s artistes 
(2000 – 2017)

Édition spéciale du livre Royal Book Lodge
Avec des œuvres originales de Véronique Bourgoin et Juli Susin
(2023)

Les jardins du temps 
(2013)

Julien Taylor, né en 1976, vit et travaille à Bagnolet
Physicien de formation, Julien Taylor s’est tourné vers la photographie en développant un style original basé sur la décomposition et recomposition du monde réel. Récompensés par plusieurs prix, ses photomontages aux compositions complexes déjouent la continuité classique de l’espace et du temps. Ce travail photographique s’est enrichi au fil des ans avec la mise en mouvement, la scénographie, l’installation ou le design, projets dans lesquels le relief des objets côtoient la surface des images.

Animé par l’astuce, la débrouille et l’improvisation propres au bricolage, Julien Taylor propose pour Mozin’Art des constructions faites de grands miroirs, généreusement mis à disposition par la Ressourcerie du Cinéma. 

À travers ces miroirs, l’espace réel s’assemble, se confond, et s’enrichit avec son reflet, l’espace virtuel. Kaléidoscopiques et parfois paradoxales, certaines combinaisons sont ici expérimentées, à la recherche d’une harmonie de complémentarité directe entre l’objet et son image.

Yves Bartlett, Aleksa Demina, Oleg Eliseev, Lili K.S.A, Jenya Kukoverov, Mitya Vlasik

Traumpunkt est un mélange de punk en exil, d’un batteur de jazz, d’une saxophoniste de fanfare militaire, d’un violoniste birman et d’un joueur de cuica de Clermont-Ferrand. Une fusion de free jazz, de punk et de spoken word, les concerts ne sont jamais loin de l’art performance lettriste, de la disparition du bon goût et de l’épuisement des mélodies innocentes.

En mécanique statistique, l’entropie (du grec ancien ἐν en, “intérieur”, et τροπή tropé, “transformation”) est une quantité (plus précisément, une coordonnée généralisée) qui est interprétée comme une mesure du désordre de tout système physique, y compris, comme cas limite, l’univers.

Débuté en 2019, « Azov Horizons » est un projet photographique au long cours qui explore les territoires
situés dans le pourtour de la mer d’Azov, extension septentrionale méconnue mais hautement stratégique
de la Mer Noire. Autrefois mer intérieure de l’URSS, la mer d’Azov a été pendant plusieurs décennies
partagée entre l’Ukraine et la Russie. Depuis l’occupation de la Crimée en 2014, puis l’invasion de
l’Ukraine par la Russie en février 2022, la mer et tous ses ports sont désormais sous contrôle russe. Avec
ses chapitres annuels qui permettent au temps de l’histoire de se déployer dans sa complexité, le projet
« Azov Horizons » emmène le regard à la recherche autant des racines que des traces visibles du conflit.
Dans une approche mêlant symbolisme et documentaire, et au prisme d’images estivales qui entrent en
dissonance avec l’iconographie habituelle du monde post-soviétique, le projet explore les coulisses d’une
zone géographique aujourd’hui engloutie dans la lutte violente pour le contrôle du sud de l’Ukraine, tout
en évoquant les transformations en cours dans les sociétés des deux pays, l’un sombrant dans un
autoritarisme belliqueux, l’autre luttant pour sa survie.

Pour le chapitre III, au cours de l’été 2022, Wack a parcouru l’ensemble de la côte russe de la mer d’Azov
de Taganrog, une ville portuaire proche de la frontière ukrainienne, jusqu’à la Crimée occupée par la
Russie. Un an auparavant, le photographe avait consacré son chapitre II à la côte ukrainienne et
notamment à la ville de Marioupol qui, quelques mois plus tard, subirait comme aucune autre l’horreur et
les ravages de la guerre de Poutine, jusqu’à son anéantissement presque complet. Au cours de l’été 2023,
pour le chapitre IV, Wack est retourné en Ukraine, au plus près possible de la mer d’Azov. Il a visité les
régions meurtries d’Odessa, de Mykolaev et de Kherson, documentant les destructions causées par
l’occupation russe et le combat du pays pour sa souveraineté.
Influencé par la tradition américaine de la road photography, le photographe privilégie le détour et
l’errance à l’approche journalistique, afin de donner au territoire et à ses singularités, plutôt qu’à
l’événement, la haute main sur le récit qui se construit au fil des images.

Dans le cadre du festival MOZIN’ARTS j’ai choisi de mettre en scène mes représentations d’animaux morts issues de mon projet NATTEN. L’atmosphère à la fois imposante et désaffectée, de MOZINOR offre un contraste saisissant avec la fragilité et la finalité de la vie que j’explore à travers NATTEN. En intégrant ces figures animales dans un espace chargé d’histoire industrielle, je cherche à créer une tension entre la vie, la mort et la mémoire, tout en interrogeant notre rapport à la nature dans un environnement urbain.

Margot Wallard intègre l’Atelier Reflexe en 1998, au début de sa carrière.

Chaque projet de Margot Wallard correspond à une période et à des événements de sa vie. Ses séries comme Mon frère Guillaume et Sonia, Foreign Affair ou encore Natten sont profondément inspirés par son histoire familiale. Son travail a été exposé en France et à l’étranger dans des galerie, festivals ou institutions. Elle est représentée par la Galerie VU à Paris et la Galerie Dorothee Nilsson à Berlin. Elle vit et travaille à Montreuil, France.

Lorsque j’ai déménagé à Brasilia, j’ai trouvé une quantité considérable de vaisselle et de verre cassés dans mon jardin, que j’ai ensuite commencé à collecter. La matérialité mobile, coupante, divisible, minérale et l’obscurité historique des tessons viennent marquer une
archéologie précaire. Ceci donne origine à une œuvre comprise comme une déchirure dans le quotidien, dont l’existence pleine de vides, de ruptures inévitables, ne nous permet pas d’oublier la propriété transitoire de nous-mêmes, des éclats épars.

L’installation, appelé “Malemare” a été présentée dans deux occasions au Brésil. En 2015, dans une place publique au Conjunto Cultural da República à Brasília et en 2019, au Musée de la Photographie de la ville de Cutitiba.

Malemare est composée par plus d’un millier d’éclats de vaisselle, porcelaine et d’autres produits céramiques. Sa durée se limite au temps nécessaire pour l’artiste de les mètre en place, un par un. La fin de cette action coïncide avec le coucher du soleil, l’installation est
finie quand les éclats cessent de réfléchir la lumière, quand l’ombre domine le ciel.

Claudia Washington présente aussi le fruit de son atelier “Soupirs”, mené auprès des femmes au Centre Social de Montreuil Robespierre, organisé par Le CENT-QUATRE-PARIS & Fonds L’Oréal pour les Femmes.

2035 réunit les musiciennes et musiciens Bette Augustin, Fertin Xavière, Naudet Basile, Joblot Benoit, Prado Louis, Fouquet Jérôme, Meteier Fanny, Adam Juliette, Aubert Victor, Nguyen Duc Long Theo, Ventimiglia Luca, Catherine Julien, Duclosel Alexandre, Zielinsky Thomas.

Musique d’une violence nouvelle, aux rythmes fractals et aux mélodies faussement naïves. D’une sensualité brutale et provocante. Ces punks du futur arrivent masqués pour entamer le rituel, l’appel à ce qu’il y a de plus primitif en nous. Nous dansons bizarre, comme pour la première fois. Notre corps se sépare de lui-même, impossible de s’arrêter.